*ATENEA*

A Huidobro- serie poesìa por: Esperanza Sànchez Gracia 2007 La poesía es un atentado celeste

Yo estoy ausente pero en el fondo de esta ausencia

ay la espera de mí mismo Y esta espera es otro modo de presencia La espera de mi retorno Yo estoy en otros objetos Ando en viaje dando un poco de mi vida A ciertos árboles y a ciertas piedras Que han esperado muchos años Se cansaron de esperarme y se sentaron Yo no estoy y estoy Estoy ausente y estoy presente en estado de espera Ellos querrían mi lenguaje para expresarse Y yo querría el de ellos para expresarlos He aquí el equívoco el atroz equívoco Angustioso lamentable Me voy adentrando en estas plantas Voy dejando mis ropas Se me van cayendo las carnes Y mi esqueleto se va revistiendo de cortezas Me estoy haciendo árbol Cuántas veces me he ido convirtiendo en otras cosas... Es doloroso y lleno de ternura Podría dar un grito pero se espantaría la transubstanciación Hay que guardar silencio Esperar en silencio

Librería-Editorial Reitzel

Esta librería, situada en la calle Nørregade, muy cerca de la Plaza Nytorv y de las instalaciones de la universidad, era una de las más frecuentadas por Kierkegaard y otros intelectuales de la época.

Soren Kierkegaard

Diario íntimo (fragmento)" Imaginemos a un pajarillo: por ejemplo, una golondrina enamorada de una jovencita. La golondrina podría, por lo tanto, conocer a la muchacha (por ser diferente a todas las demás), pero la joven no podría distinguir a la golondrina entre cien mil. Imaginad su tormento cuando, a su retorno en primavera, ella dijera: Soy yo, y la joven le respondiera: No puedo reconocerte. En efecto, la golondrina carece de individualidad. De ahí se deduce que la individualidad es el presupuesto básico para amar, la diferencia de la distinción. De ahí se deduce también que la mayoría no puede amar de veras, porque la diferencia de sus propias individualidades es demasiado insignificante. Cuanto mayor es la diferencia, mayor es la individualidad, mayores son los caracteres distintivos y mayores los rasgos reconocibles. En este profundo sentido se comprende el significado del hebreo: conocer a su mujer, refiriéndose a la unión matrimonial; pero cobra un sentido más profundo en lo que se refiere al alma, al carácter distintivo de la individualidad. "

http://www.uia.mx/departamentos/dpt_filosofia/kierkergaard/home.html

RADIO AMAI- IYOLTOKNIWAN LA VOZ PURA DE LA SIERRA Por: Rosa Esperanza Sánchez Gracia En palabras expresadas por sus propios protagonistas, Radio Amai es la voz de las comunidades de los pueblos indígenas, una radio independiente para trasmitir y rescatar “la voz del pueblo”. Su nombre proviene de la palabra “amai” pájaro clarín en popoluca y de “iyoltokniwan” corazón del pueblo náhuatl. Radio Amai esta conformada por jóvenes estudiantes pertenecientes a la UVI y personas de las comunidades vecinas quienes son coordinados por el Prof. Tonalli Hernández quien comento que el objetivo principal de la radio comunitaria es la preservación de los valores culturales y la tradición oral de nuestros pueblos en este caso la región de la sierra de Santa Marta. La radio comunitaria no tiene ningún fin comercial, es un medio de comunicación independiente al servicio de la comunidad, es autónoma y no tiene relación alguna con alguna propaganda política ni religiosa. Esta radio la hacen todos y para todos. Este proyecto inició sus actividades el 25 de febrero del presente, en la comunidad de Amamaloya con la presencia de las autoridades ejidales y habitantes de las comunidades quienes participaron en la primera trasmisión estableciendo un dialogo entre las diversas lenguas indígenas, así mismo se dejaron escuchar las voces jóvenes quienes se encargaran de trasmitir las inquietudes de los habitantes de la Sierra, su historia, sus tradiciones, su música, así como dar a conocer las noticias de interés regional y nacional . Radio independiente Amai tiene como labor primordial la difusión de las diferentes lenguas indígenas que conviven en nuestra región sur, y revalorizar las voces de los hombres y mujeres de las comunidades que permanecen en pleno siglo XXI alejadas del desarrollo social y cultural. La radio Amai trasmitirá desde su cabina ubicada en Amamaloya en la frecuencia del 102.5 de FM. En su inicio la radio solo tendrá un corto alcance radial pero con la iniciativa y apoyo tanto de los ciudadanía y estudiantes se espera que se de a conocer a mas localidades de la región. La principal intención de Amai es la concientizaciòn en temas tan conocidos como el rescate de la tradición oral, musical, gastronomía, medicina tradicional, migración, recursos naturales, las relaciones de género, los derechos humanos, la memoria cultural de los pueblos, y de esa manera fortalecer los lazos autónomos de convivencia de las comunidades y la sociedad. Esperemos que estas historias expresadas a través de las voces de sus protagonistas, los sonidos de su vida cotidiana, sus silencios, lleguen, a través de la radio al oyente acercándolos a sus raíces culturas y valores.

Breve entrevista con el coordinador de Radio comunitaria AMAI, el profesor Tonalli Hernández.

JC.- ¿Cuál es el concepto de la Radio Comunitaria Amai? TH.- Es abrir un espacio en los medios de comunicación , que normalmente no esta abierto a las localidades que en medios de comunicación como la radio , que tiene un radio de difusión pequeño se abra un medio para comentar las noticias locales, los sucesos importantes que hay aquí y que la gente exponga su visión de lo que esta sucediendo en este momento en un medio como la radio. JC.- ¿Como se crea Radio Comunitaria? TH.- Es un esfuerzo de la sociedad civil y ciudadanos independientes quienes han apoyado para recabar fondos que nos ha permitido acceder al equipo y con instituciones como la Red de radio comunitaria quien tiene presencia en Tabasco, Veracruz, Oaxaca que nos ha capacitado en técnicas radiofónicas generales básicas, así todos los compañeros que participamos en la radio, tenemos elementos técnicos para el manejo de equipo, edición de audio, entrevista y de esta manera funciona la radio. JC.- ¿Qué secciones integran la radio comunitaria? TH.- Hay una barra de programación por la mañana de noticias locales, barra musical, cuestiones de genero, agroecologìa, tradiciones, programa de la mujer, espacios infantiles, salud, medicina tradicional, migración y las tradiciones de los pueblos y lenguas indígenas. JC.- ¿Hacia quienes va dirigida Radio Amai? TH.- Hacia las localidades de la región, el objetivo es que la radio sea un espacio de comunicación hacia las localidades de esta zona.

HÖLDERLIN

Las cinco palabras-guía

1. Poetizar: la más inocente de todas las ocupaciones (III, 377).

2. Y se le ha dado al hombre el más peligroso de los bienes, el lenguaje... para que muestre lo que es... (IV, 246.)

3. El hombre ha experimentado mucho. Nombrado a muchos celestes, desde que somos un diálogo y podemos oír unos de otros (IV, 343).

4. Pero lo que queda, lo instauran los poetas(IV, G3).

5. Pleno de méritos, pero es poéticamente como el hombre habita esta tierra (VI, 25).

uno.- En una carta a su madre de enero de 1799 Hölderlin llama a la poesía "la más inocente de todas las ocupaciones" ¿Hasta dónde es "la más inocente"? La poesía se muestra en la forma modesta del juego. Sin trabas, inventa su mundo de imágenes y queda ensimismada en el reino de lo imaginario.Este juego se escapa de lo serio de la decisión que siempre de un modo o de otro compromete (schuldig macht). Poetizar es por ello enteramente inofensivo. E igualmente es ineficaz, puesto que queda como un hablar y decir. No tiene nada de la acción que inmediatamente se inserta en la realidad y la transforma. La poesía es como un sueño, pero sin ninguna realidad, un juego de palabras sin lo serio de la acción. La poesía es inofensiva e ineficaz. ¿Qué puede ser menos peligroso que el mero lenguaje? Al llamar a la poesía "la más inocente de las ocupaciones", todavía no hemos concebido su esencia. Pero al menos indicamos por dónde debemos buscarla. La poesía crea su obra en el dominio y con la "materia" del lenguaje. ¿Qué dice Hölderlin sobre el lenguaje?

Metà della vita

Tra pere gialle e rose selvagge

Scende la terra nel lago

E voi cigni graziosi tuffatee

bbri di baci il capo

Nell'acqua sacra ed austera.

Ma dove prenderò fiori in inverno,

dove la luce del sole

e l'ombra della terra?

Stanno le mura silenziose e fredde

E nel vento è tintinnio di banderuole.

La mitad de la vida

entre las peras amarillas y las rosas salvajes la tierra el lago viene abajo y tú agraciado de los cisnes del tuffatee de besos la cabeza en el agua sagrada y austera. ¿Pero dónde tomaré las flores en el invierno, dónde la luz del sol y la sombra de la tierra? Son paredes silenciosas y el frío y el viento es tintinnio del banderuole.Traducciòn del italiano disculpen los errores

Màs informaciòn:

http://tijuana-artes.blogspot.com/2005/03/hlderlin-y-la-esencia-de-la-poesa.html

COLLAGE

Todo hace pensar que existe un cierto estado de ánimo en el que vida y muerte, lo real y lo imaginario, el pasado y e/ futuro, lo indirecto y lo directo, la altura y la profundidad, ya no se perciben como contradictorios”. André Breton. Nadja. París. 1928

http://www.fitzia.com/libro-contenido.htm

El arte es un don, es también una pelea sin tregua. ¿Qué puede haber más bello que una tela, un papel virgen? ¿Cuál es nuestra pretensión o inconsciencia de creer, de intentar hacer algo más bello? Sin embargo algo nos empuja, una necesidad suicida de expresarnos, que nos vean, que nos escuchen a través de la neurosis de nuestra obra. Fitzia

Die große stille El gran silencio Todo vale en la medida que se lo trasciende, que se lo mira y escucha de otra forma. Y en esa mirada y en esa escucha, repetimos, radica la felicidad de la contemplación de Dios en las criaturas. Porque, dirá el monje anciano y ciego, todo es divino. Las mismas palabras que escribiera Theilard de Chardin en su Medio Divino. Recuperamos palabras del párrafo inicial: al gran misterio (lo divino) solamente se le corresponde con el gran silencio (la adoración). Y entonces, sólo entonces, comprendemos el significado de la cita del comienzo y del final: ni en el viento, ni en el huracán, ni en el fuego, porque Dios solamente está en el susurro. Ese cántico gregoriano, cual susurro, se alza desde la Cartuja de Grenoble hasta ese cielo con que se consuma el film. El silencio logra que el tiempo sea continuo, traspase los límites físicos de las horas, del día y de la noche de tal forma que me atrevo a decir que las horas en el convento son muchas más que las nuestras, parece que se hayan multiplicado. Me refiero, naturalmente, a ese tiempo interior mental que la voz, simplemente la sencilla voz, ya divide y corta en trocitos. La vida en el convento podríamos decir que es continua oración, continua búsqueda y no tiene en cuenta ni el día ni la noche, sólo la campana que invita a la oración. Ese es su reloj. Y detrás del silencio, la película nos muestra que el mundo continúa: nieva, llueve, sale el sol, caen las hojas. El ciclo vital sigue su curso. La filmación se detiene en los detalles fuera y dentro del convento: la contemplación del cielo, de los árboles cuando el viento agita sus hojas, del paisaje blanco y uniforme en invierno, de la lluvia incesante en primavera, del sol cuando penetra en el convento para provocar sus sombras. Detalles que unen la vida del convento con el mundo exterior. Un mundo que se nos muestra poético y que parece estar en sintonía con la soledad y el silencio del convento. Un mundo del que los monjes no puede sustraerse e, inevitablemente, ordenan su vida alrededor de él. Hace años Philip Groering quiso filmar esta película, los monjes le dijeron que era "demasiado pronto", "que quizás dentro de diez o quince años". Pasaron dieciséis años y entonces fueron ellos los que llamaron a Philip Groering y le dijeron que "había llegado la hora". Sin duda el tiempo transcurre allí a otra velocidad. De la mano del "Gran Silencio" los monjes se sumergen en una profundidad quizás desconocida para nosotros y que diríamos les permite "tocar" a Dios eterno, a Dios mismo. Eso es, al menos, lo que yo intuí en esas casi tres horas de película que hoy gracias a la paciencia llega hasta nosotros. http://www.karmafilms.es/html/elgransilencio.html

Saludos desde Minatitlàn Yo, mi hermana y mi mamà graduaciòn 2007

UN MAR DE ARCILLA

MIQUEL BARCELÓ (1957 Felanitx, Mallorca) es uno de los artistas plásticos actuales más geniales. Pintor y escultor de proyección internacional valorado prácticamente desde el principio de su carrera (en los albores de los años ochenta) por los más reconocidos expertos del Arte. Un artista de nuestro tiempo, energético, de los que como pocos se han comprometido con la materia: inspirado por la naturaleza, la literatura, la música, el Mediterráneo, los clásicos, el primitivismo y el mismo proceso en sí. Un creador de talento que trabaja intensamente, sumergido en la materia que maneja; de este modo respira y hace la digestión metido hasta los codos en la misma esencia de la pintura o de la arcilla.

Un día, con pasión, el pintor se puso a trabajar la terracota. Mallorca, París, Mali… son algunos de los lugares donde el artista trabaja, y precisamente en el país de los dogones, en Mali, fue donde comenzó Barceló su relación con la arcilla cocida, y así lo cuenta:

Estaba en Banani (Mali) a finales del año 1994, hacía un calor de 50 grados y mucho viento que levantaba arena y polvo, no podía pintar. Por eso, y después de conseguir que una alfarera me preparara la tierra, hice las primeras terracotas. Eran henchidas, macizas, y tenía que cocerlas en un horno a baja temperatura, porque si no reventaban, algunas las cocía al sol. No eran esculturas como las que había hecho en los años anteriores en París con yeso, que tenían un alma de hierro o de madera, y que después pasaba a bronce. El alma de las terracotas era el aire.

Extensamente podríamos hablar sobre las vasijas de Miquel Barceló: formas que partiendo de la alfarería (vasijas, platos, lebrillos, y etc.) rebasan su función utilitaria para conformar objetos de contemplación a modo de “vasos rituales” o esculturas. Mas es nuestra intención detenernos aquí en una sola obra, una obra de titanes, en la que el artista mallorquín ha volcado los estímulos y la experiencia de su relación establecida en los últimos años con el barro (hasta el momento presente seguramente la obra más ambiciosa que ha realizado). Nos referimos al mural creado para la Capilla de San Pere de la Catedral de Mallorca: una inmensa piel de arcilla, una gran «ola de barro», cuyo tema (bajo la inspiración de un fondo marino) ilustra el Milagro Bíblico de los panes y los peces del Evangelio de San Juan. Una obra monumental de aproximadamente trescientos metros cuadrados de arcilla modelada y pintada con óxidos y engobes, y cocida (a una temperatura de 1000 grados C.) para consolidar la materia. Una gran piel trabajada en tres lienzos enteros (de una pieza), cada lienzo del tamaño necesario para cubrir cada una de las paredes (dos laterales y el frontal) de la mencionada Capilla.

http://alfargaleriaazul.com/2006/05/19/miquel-barcelo-un-mar-de-arcilla/

Grabado de Alberto Durero

Melancholy

El lenguaje es la morada del ser y la casa donde habita el hombre, el gran intérprete que responde a esa llamada y que en ella y desde ella desvela la inconclusión de su propio decir.

Antoni Tàpies

Partícipe de una sensibilidad generalizada que afecta a los artistas de ambos lados del Atlántico, a raíz de la II Guerra Mundial y del lanzamiento de la bomba atómica, Antoni Tàpies expresa muy pronto un interés por la materia, la tierra, el polvo, los átomos y las partículas, que se plasma formalmente en el uso de materiales ajenos a la expresión plástica academicista y en la experimentación de nuevas técnicas. Las pinturas matéricas forman una parte sustancial de la obra de Tàpies y constituyen un proyecto que sigue desarrollándose en la actualidad. Tàpies cree que la noción de materia debe entenderse también desde la perspectiva del misticismo medieval como la magia, mimesis y alquimia. En este sentido, hay que entender el deseo del artista de que sus obras adquieran el poder de transformar nuestro interior.

Asimismo, la obra de Antoni Tàpies ha sido siempre permeable a los acontecimientos políticos y sociales del momento. A finales de los años sesenta y principios de los setenta, su compromiso político contra la dictadura se intensifica, y las obras de este período tienen un marcado carácter de denuncia y protesta. Coincidiendo con la eclosión del arte povera en Europa y el posminimalismo en EEUU, Tàpies acentúa su trabajo con objetos, no mostrándolos tal como son, sino imprimiéndoles su sello e incorporándolos a su lenguaje. A principios de los ochenta, una vez restaurado el Estado de derecho en España, el interés de Tàpies por la tela como soporte adquiere una fuerza renovada. Durante esos años, realiza obras con goma-espuma o con la técnica del aerosol, utiliza barnices y crea objetos y esculturas de tierra chamoteada o de bronce, y se mantiene muy activo en el campo de la obra gráfica. Por otra parte, a finales de los ochenta, parece reforzarse el interés de Tàpies por la cultura oriental, una preocupación que ya se había ido gestando en los años de la posguerra y que se convierte cada vez más en una influencia filosófica fundamental en su obra, por su énfasis en lo material, por la identidad entre hombre y naturaleza y por la negación del dualismo de nuestra sociedad. Igualmente, Tàpies se siente atraído por una nueva generación de científicos, capaces de apoyar una visión del universo que entiende la materia como un todo, sometido al cambio y la formación constantes.

Las obras de los últimos años constituyen esencialmente una reflexión sobre el dolor -físico y espiritual-, entendido como parte integrante de la vida. Influido por el pensamiento budista, Tàpies considera que un mayor conocimiento del dolor permite dulcificar sus efectos, y de este modo, mejorar la calidad de vida. El paso del tiempo, que ha sido una constante en la obra de Tàpies, adquiere ahora nuevos matices, al vivirse como una experiencia personal que comporta un mejor autoconocimiento y una comprensión más clara del mundo que le rodea. Durante estos últimos años, Antoni Tàpies ha consolidado un lenguaje artístico que, por una parte, traduce plásticamente su concepción del arte, y por otra, unas preocupaciones filosóficas renovadas con el paso del tiempo. Su práctica artística sigue siendo permeable a la brutalidad del presente, a la vez que ofrece una forma que, pese a su ductilidad, permanece fiel a sus orígenes. En este sentido, las obras de los últimos años no sólo se inscriben en la contemporaneidad, sino que también son un registro del pasado del artista.